Teave

Kõige kummalisemad pildid

Kõige kummalisemad pildid



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Kujutav kunst on võimeline andma terve rea emotsioone. Mõni maal on varjatud müstiliste mõistatustega, samas kui teiste puhul on peamine asi nende liiga kõrge hind.

Maailmamaali ajaloos on palju kummalisi pilte. Ja kuigi võõruse kontseptsioon on subjektiivne, võib välja tuua need tuntud teosed, mis on selgelt tavapärasest väljas.

Edvard Munch "The Scream". Teos mõõtmetega 91x73,5 cm loodi 1893. aastal. Munch maalis selle õlides, pastellides ja temperatuuris; tänapäeval hoitakse seda maali Oslo Rahvusgaleriis. Kunstniku loomingust on saanud impressionismi pöördepunkt - see on tänapäeval üks kuulsamaid maalid maailmas. Munch ise rääkis selle loomisloost: "Jalutasin kahe sõbraga mööda rada. Sel ajal loojus päike. Ühtäkki muutus taevas vere punaseks, tegin pausi, tundsin end kurnatuna ja nõjatusin tarale. Vaatasin verd ja leeke üle sinaka. - must kuusk ja linn. Mu sõbrad läksid edasi ja ma ikka seisin, värisesin põnevusest, tundes lõputut nuttu läbistavat loodust. " Joonistatud tähenduse tõlgendamisel on kaks versiooni. Võib arvestada, et kujutatud tegelane haaratakse õudusega kinni ja karjub vaikides, surudes käed kõrva juurde. Teine versioon ütleb, et mees sulges kõrvad enda ümber karjuva karjumise pärast. Kokku lõi Munch "Screamist" koguni 4 versiooni. Mõne eksperdi arvates on see maal klassikaliselt ilmunud maniakaal-depressiivsest psühhoosist, mille all kunstnik kannatas. Kui Munchi kliinikus raviti, ei pöördunud ta selle lõuendi juurde tagasi.

Paul Gauguin "Kust me tulime? Kes me oleme? Kuhu me läheme?" Bostoni kaunite kunstide muuseumist leiate selle impressionistliku teose suurusega 139,1 x 374,6 cm. See oli maalitud lõuendil õlis aastatel 1897-1898. Selle põhjaliku teose kirjutas Gauguin Tahitil, kus ta läks tagasi Pariisi elu saginast. Maal sai kunstniku jaoks nii oluliseks, et pärast selle valmimist tahtis ta isegi enesetapu teha. Gauguin uskus, et ta oli parim pähe, mille ta enne oli loonud. Kunstnik uskus, et ta ei suuda midagi paremat ega sarnast luua, tal pole lihtsalt enam muud, mille poole püüelda. Gauguin elas veel 5 aastat, tõestades oma otsuste tõesust. Ta ise ütles, et tema põhipilti tuleks vaadata paremalt vasakule. Sellel on kolm peamist figuuride rühma, mis personifitseerivad küsimusi, millele lõuend on pealkirjastatud. Kolm lapsega naist näitavad elu algust, keskel sümboliseerivad inimesed küpsust, vanadust esindab eakas naine, kes ootab oma surma. Näib, et ta on sellega hakkama saanud ja mõtleb välja midagi enda oma. Tema jalge all on valge lind, mis sümboliseerib sõnade mõttetust.

Pablo Picasso "Guernica". Picasso loomingut hoitakse Reina Sofia muuseumis Madridis. Lõuendil õlis maalitud suur maal, 349 x 776 cm. See seinamaaling loodi 1937. aastal. Pilt räägib fašistlike vabatahtlike pilootide rünnakust Guernica linnale. Nende sündmuste tagajärjel rüüstati 6 tuhande elanikuga linn täielikult maapinnale. Kunstnik lõi selle pildi vaid kuu aja pärast. Esimestel päevadel töötas Picasso 10–12 tundi, tema esimestes visandites oli põhiidee juba nähtav. Selle tulemusel sai pilt üheks parimaks illustratsiooniks kõigile fašismi, julmuse ja inimliku leina õudustele. Filmis "Guernica" näete julmust, vägivalda, surma, kannatusi ja abitust. Kuigi selle põhjuseid pole selgesõnaliselt öeldud, on need ajaloost selged. Räägitakse, et 1940 kutsuti Pablo Picasso isegi Pariisi Gestapole. Temalt küsiti kohe: "Kas sa tegid seda?" Sellele vastas kunstnik: "Ei, sa tegid seda."

Jan van Eyck "Arnolfini paari portree". See maal on maalitud 1434. aastal puidul õlis. Meistriteose mõõtmed on 81,8x59,7 cm ja seda hoitakse Londoni Rahvusgaleriis. Arvatavasti on maalil kujutatud Giovanni di Nicolao Arnolfini koos oma naisega. Teos on põhjaosase renessansi ajal Lääne maalikoolis üks raskemaid. See kuulus maal sisaldab tohutul hulgal sümboleid, allegooriaid ja mitmesuguseid vihjeid. Et on ainult kunstniku allkiri "Jan van Eyck oli siin." Seetõttu pole maal lihtsalt pelgalt kunstiteos, vaid ka tõeline ajalooline dokument. Lõppude lõpuks kujutab see tõelist sündmust, mille van Eyck jäädvustas. See pilt on viimasel ajal Venemaal väga populaarseks saanud, sest palja silmaga on Arnolfini sarnasus Vladimir Putiniga märgatav.

Mihhail Vrubel "Istuv deemon". Seda Mihhail Vrubeli meistriteost, mille ta on maalinud õlis 1890. aastal, hoitakse Tretjakovi galeriis. Lõuendi mõõtmed on 114x211 cm. Siin kujutatud deemon on üllatav. Ta ilmub kurva pikkade juustega noormehena. Tavaliselt ei esinda inimesed nii kurje vaime. Vrubel ise ütles oma kuulsaima maali kohta, et tema mõistes pole deemon mitte niivõrd kuri vaim, kuivõrd kannatav. Samal ajal ei saa temalt autoriteeti ja väärikust eitada. Vrubeli deemon on esiteks pilt inimvaimust, mis valitseb meie sees pidevas võitluses iseendaga ja kahtlustega. See lilledega ümbritsetud olend lõi traagiliselt käed kinni, tema tohutud silmad vaatavad kurvalt kaugusesse. Kogu kompositsioon väljendab deemoni kuju figuuri. Tundub, et ta on selles pildis pigistatud pildiraami ülemise ja alumise vahel.

Vassili Vereshchagin "Sõja apoteoos". Maal on maalitud 1871. aastal, kuid autor näis selles ette nägevat tulevaste maailmasõdade õudusi. Lõuendit mõõtmetega 127x197 cm hoitakse Tretjakovi galeriis. Vereshchaginit peetakse Vene maalil üheks parimaks lahingumaalijaks. Siiski ei kirjutanud ta sõdu ja lahinguid, sest armastas neid. Kunstnik üritas kujutava kunsti abil inimestele edastada oma negatiivset hoiakut sõja vastu. Kord lubas Vereshchagin isegi mitte enam lahingupilte maalida. Lõppude lõpuks võttis maalikunstnik iga haavatud ja tapetud sõduri leina oma südamele liiga lähedal. Sellise südamliku suhtumise sellesse teemasse tulemus oli "Sõja apoteoos". Kohutaval ja lummaval pildil on kujutatud inimeste kolju mäge põllul, mille ümber on varesed. Vereshchagin lõi emotsionaalse lõuendi, iga tohutu hunniku kolju taga on jäljendatud üksikisikute ja neile lähedaste inimeste ajalugu ja saatust. Kunstnik ise nimetas sarkastiliselt seda pilti natüürmordiks, kuna see kujutab surnud olemust. Kõik "Sõja apoteoosi" üksikasjad karjuvad surma ja tühjuse kohta, seda võib näha isegi maa kollasel taustal. Ja taevasinine rõhutab ainult surma. Sõja õuduste ideed rõhutavad koljudel olevad kuuliaugud ja mõõgajäljed.

Grant Wood "Ameerika gooti". Selle väikese maali mõõtmed on 74 x 62 cm. See on loodud 1930. aastal ja seda hoitakse nüüd Chicago Kunstiinstituudis. Maal on üks kuulsamaid näiteid eelmise sajandi Ameerika kunstist. Juba meie aja jooksul mainitakse meedias sageli nime "Ameerika gooti". Maalil on kujutatud üsna sünget isa ja tütart. Nende inimeste tõsidusest, puritanismist ja luustumisest räägivad arvukad üksikasjad. Neil on rahulolevad näod, pildi keskel agressiivne korvike ja paari riided on vanaaegsed isegi tolle aja standardite järgi. Isegi põllumehe rõivastel olev õmblus järgib harjavarsi, kahekordistades ohtu neile, kes rikuvad tema elustiili. Pildi detaile saab uurida lõputult, tundes füüsiliselt ebamugavust. Huvitav on see, et korraga, Chicago kunstiinstituudis toimunud konkursil, võtsid kohtunikud pildi humoorikaks. Kuid Iowa inimesed solvasid kunstnikku, et nad paljastavad neid nii ebameeldivas vaates. Naise modelliks oli Woodi õde, kuid vihase mehe prototüübiks oli maalri hambaarst.

Rene Magritte "Armastajad". Maal on maalitud 1928. aastal lõuendil õlis. Siiski on kaks võimalust. Neist ühes suudlevad mees ja naine, ainult nende pead on mähitud valgesse riidesse. Pildi teises versioonis vaatavad austajad vaatajat. Joonistatud ja üllatav ning veetlev. Ilma nägudeta figuurid sümboliseerivad armastuse pimedust. On teada, et armastajad ei näe kedagi ümber, kuid me ei saa näha nende tõelisi tundeid. Isegi üksteise jaoks on need tundest pimestatud inimesed tegelikult mõistatus. Ja kuigi pildi peamine sõnum tundub selge, paneb "Armastajad" ikkagi neid vaatama ja armastuse peale mõtlema. Üldiselt on peaaegu kõik Magritte maalid mõistatused, mida on täiesti võimatu lahendada. Lõppude lõpuks tõstatavad need lõuendid peamised küsimused meie elu tähenduse kohta. Neis räägib kunstnik meie nägemuse illusoorsusest, tõsiasjast, et meie ümber on palju salapäraseid asju, mida me püüame mitte tähele panna.

Marc Chagall "Jalutuskäik". Maal maaliti õlil lõuendil 1917. aastal, nüüd hoitakse seda Tretjakovi osariigi galeriis. Marc Chagall on oma teostes tavaliselt tõsine, kuid siin lubas ta end tunnetel näidata. Maal väljendab kunstniku isiklikku õnne, see on täis armastust ja allegooriaid. Tema "Jalutuskäik" on autoportree, kus Chagall kujutas enda kõrval oma naist Bellat. Tema valitud mees tõuseb taevasse ja ta kavatseb sinna lohistada kunstniku, kes on juba peaaegu maapinna üles tõstnud, puudutades teda ainult tema kingade näpunäidetega. Teises käes on mees titt. Võib öelda, et Chagall kujutas oma õnne. Tal on taevas kraana armastatud naise näol ja titt käes, millega ta oma tööd mõtles.

Hieronymus Bosch "Maiste rõõmude aed". Seda 389x220 cm suurust lõuendit hoitakse Hispaania seaduste muuseumis. Bosch maalis õlimaali puule aastatel 1500-1510. See on kõige kuulsam Boschi triptühhh, ehkki pildil on kolm osa, kuid see on oma nime saanud keskse osa järgi, mis on pühendatud vaprusele. Kummalise pildi tähenduse üle käivad pidevad arutelud, puudub selle tõlgendus, mida tunnustataks ainsa õigena. Huvi triptühhi vastu tuleneb paljudest pisidetailidest, mis väljendavad peamist ideed. Seal on poolläbipaistvaid figuure, ebaharilikke struktuure, koletisi, kehastunud õudusunenägusid ja visioone ning reaalsuse põrgulisi variatsioone. Kunstnik suutis seda kõike vaadata terava ja otsitava pilguga, olles suutnud ühendada erinevad elemendid üheks lõuendiks. Mõned uurijad on püüdnud pildil näha inimese elu peegeldust, mida autor näitas asjata. Teised leidsid pilte armastusest, keegi avastas meeleheite võidukäigu. On siiski kaheldav, kas autor üritas ülistada lihalikke võlusid. Lõppude lõpuks on inimeste kujudel kujutatud külma irdumist ja süütust. Ja kirikuvõimud reageerisid sellele Boschi pildile üsna positiivselt.

Gustav Klimt "Naiste kolm vanust". See maal asub Rooma moodsa kunsti rahvusgaleriis. 180 cm laiune ruudukujuline lõuend maaliti lõuendil õliks 1905. aastal. See pilt väljendab korraga nii rõõmu kui ka kurbust. Kolme kujuga kunstnik suutis näidata kogu naise elu. Esimene, veel laps, on äärmiselt muretu. Küps naine väljendab rahu ja viimane vanus sümboliseerib meeleheidet. Samal ajal on keskaeg orgaaniliselt kootud elutarbeks ja vana paistab selle taustal märgatavalt silma. Noore ja vanema naise selge kontrast on sümboolne. Kui elu õitsemisega kaasnevad arvukad võimalused ja muutused, siis on viimane etapp juurdunud püsivus ja konflikt tegelikkusega. Selline pilt köidab tähelepanu ja paneb mõtlema kunstniku kavatsusele, selle sügavusele. See sisaldab kogu elu koos oma paratamatuse ja metamorfoosidega.

Egon Schiele "Perekond". Selle lõuendi mõõdud on 152,5x162,5 cm, see on õlis värvitud 1918. aastal. Nüüd hoitakse seda Viini Belvederes. Schiele'i õpetaja oli Klimt ise, kuid õpilane ei üritanud teda üldse usinalt kopeerida, otsides oma väljendusmeetodeid. Võib julgelt öelda, et Schiele'i teosed on veelgi traagilisemad, hirmutavad ja kummalised kui Klimti teosed. Mõnda elementi nimetaks tänapäeval pornograafiliseks, seal on palju erinevaid perverssusi, naturalism on kohal kogu selle ilus. Samal ajal on maalid sõna otseses mõttes mingisuguse valutava meeleheitega. Schiele'i loomingu ja tema värskeima maali tipp on "Perekond". Selles lõuendis tuuakse meeleheide maksimumi, samas kui teos ise osutus autori jaoks kõige vähem kummaliseks. Pärast tema raseda naise Schiele surma Hispaania gripist ja vahetult enne tema surma see meistriteos loodi. Kahe surma vahel möödus vaid 3 päeva, selleks piisas kunstnikust, et ta kujutaks end koos oma naise ja oma kunagi sündinud lapsega. Sel ajal oli Schiele vaid 28-aastane.

Frida Kahlo "Kaks Frida". Pilt on sündinud 1939. aastal. Mehhiko kunstnik Frida Kahlo sai kuulsaks pärast seda, kui oli ilmunud film temast, mille pealkirjas oli Salma Hayek. Kunstniku töö põhines tema autoportreedel. Ta ise seletas seda fakti järgmiselt: "Ma kirjutan ise sellepärast, et veedan palju aega üksi ja kuna olen teema, mida tean kõige paremini." Huvitav on see, et Frida ei naerata ühelgi maalil. Tema nägu on tõsine, isegi pisut lein. Sulanud puksitud kulmud ja kokkusurutud huulte kohal vaevumärgatavad antennid väljendavad maksimaalset tõsidust. Maalide ideed peituvad Frida ümbritsevate kujundite, taustal ja detailides. Maalide sümboolika põhineb Mehhiko riiklikel traditsioonidel, mis on tihedalt põimunud India vana mütoloogiaga. "Kaks Fridat" on üks Mehhiko naise paremaid pilte. Selles on mehelikud ja naiselikud põhimõtted välja pandud originaalsel viisil, millel on ühtne vereringesüsteem. Nii näitas kunstnik nende kahe vastanduse ühtsust ja terviklikkust.

Claude Monet "Waterloo sild. Uduefekt". Selle Monet maali võib leida Peterburi Ermitaažist. See maaliti lõuendil õlis 1899. aastal. Pildi lähemal uurimisel ilmub see lilla laiguna, millele on tehtud paksud löögid. Lõuendist eemale liikudes mõistab vaataja aga kogu selle võlu. Esiteks muutuvad nähtavaks pildi keskpunkti läbivad selged poolringid, paatide piirjooned. Ja paari meetri kauguselt näete juba kõiki pildi elemente, mis on ühendatud loogilises ahelas.

Jackson Pollock "Number 5, 1948". Pollock on abstraktse ekspressionismi žanri klassika. Tema kuulsaim maal on tänapäeva maailmas kõige kallim. Ja kunstnik maalis selle 1948. aastal, valades õlivärvi lihtsalt puitkiudplaadile, mõõtmetega 240x120 cm põrandale. 2006. aastal müüdi see maal Sotheby's 140 miljoni dollari eest. Eelmine omanik, kollektsionäär ja filmiprodutsent David Giffen müüs selle Mehhiko rahastajale David Martinezile. Pollock ütles, et otsustas eemalduda sellistest tuttavatest kunstniku tööriistadest nagu molbert, maalid ja pintslid. Tema tööriistadeks olid pulgad, noad, kühvel ja valavärv. Samuti kasutas ta segu sellest liiva või isegi purustatud klaasiga. Alustatakse loomist. Pollock alistub inspiratsioonile, isegi ei saa aru, mida ta teeb. Alles siis saab täiuslikkus aru. Samal ajal ei karda kunstnik pilti hävitada ega tahtmatult muuta - pilt hakkab elama oma elu. Pollocki ülesanne on aidata tal sündida, väljas käia.Kuid kui meister kaotab kontakti oma loominguga, on tulemuseks kaos ja mustus. Kui see õnnestub, kehastab maal puhast harmooniat, inspiratsiooni saamise ja kehastamise lihtsust.

Joan Miró "Mees ja naine hunniku väljaheidete ees." Seda maali hoitakse nüüd kunstniku kollektsioonis Hispaanias. See värviti õlil vaskplekile 1935. aastal vaid nädala jooksul 15. – 22. Oktoobrini. Loomingu suurus on vaid 23x32 cm. Vaatamata sellisele provokatiivsele pealkirjale räägib pilt kodusõdade õudustest. Nii kujutas autor ise Hispaanias nende aastate sündmusi. Miro püüdis näidata mureperioodi. Pildil näete liikumatut meest ja naist, kes sellegipoolest on üksteise külge tõmmatud. Lõuend on küllastunud pahaendeliste mürgiste lilledega, koos laienenud suguelunditega näeb see välja tahtlikult vastik ja vastikult seksikas.

Jacek Jerka "Erosioon". Selle poola neo-sürrealisti loomingus loovad põimuvad reaalsuse pildid uue reaalsuse. Mõnes mõttes on isegi puudutavad pildid äärmiselt detailsed. Nad tunnevad mineviku sürrealistide kaja Boschist Dali. Yerka kasvas üles keskaegse arhitektuuri õhkkonnas, mis ületas imekombel Teise maailmasõja pommitamise. Joonistama hakkas ta juba enne ülikooli astumist. Nad üritasid muuta tema stiili moodsamaks ja vähem detailseks, kuid Yerka ise säilitas oma individuaalsuse. Täna eksponeeritakse tema ebatavalisi maale mitte ainult Poolas, vaid ka Saksamaal, Prantsusmaal, Monacos ja USA-s. Neid leidub paljudes kogudes kogu maailmas.

Bill Stoneham "Käed takistavad teda". 1972. aastal maalitud maal pole vaevalt klassikaline maal. Siiski pole kahtlust, et ta on üks kunstnike veidramat loomingut. Maalil on kujutatud poissi, tema kõrval on nukk ja tagant klaasi vastu on surutud arvukalt peopesasid. See lõuend on kummaline, salapärane ja pisut müstiline. See on juba legendidega üle kasvanud. Nad ütlevad, et selle pildi tõttu suri keegi ja sellel olevad lapsed on elus. Ta näeb tõesti jube välja. Pole üllatav, et maal kutsub haige mentaliteediga inimesi esile hirme ja jubedaid fantaasiaid. Stoneham ise kinnitas, et maalis end 5-aastaselt. Poisi taga olev uks on tõke reaalsuse ja unistuste maailma vahel. Nukk seevastu on juhend, mis võib lapse viia ühest maailmast teise. Käed on alternatiivsed elud või inimese võimalused. Maal sai kuulsaks 2000. aasta veebruaris. See pandi eBays müüki, öeldes, et sellel on kummitusi. Lõpuks ostis Kim Smith 1025 dollari eest Hands Resist Himi. Peagi uputati ostjat sõna otseses mõttes maaliga seotud hirmutavate lugudega kirjadega ja nõuti selle lõuendi hävitamist.


Vaata videot: Liz Parrish - Bioviva - Ending Ageing through Gene Therapy (August 2022).